Hivernales

Simple

Simple

À partir d’un vocabulaire chorégraphique volontairement restreint, économe, Ayelen Parolin lance trois interprètes dans un étonnant jeu de rythme et de construction, à la fois répétitif et toujours mouvant, sans cesse redistribué, restructuré, ré-envisagé.

Un jeu dont l’inachevé et le recommencement seraient les règles de base. Un jeu-labyrinthe.

Un jeu musical… sans musique.

Car dans SIMPLE, la chorégraphe s’est privée d’un de ses principaux partenaires de jeu. Et comme la musique n’est pas au rendez-vous, c’est aux corps qu’elle embarque sur scène de l’inventer, de l’imaginer, de la jouer. À la recherche d’une pulsation vitale. À trois, en complicité, en connivence. Avec la puissance et la sincérité profondément humaine de l’idiot, du naïf, de l’enfant – là où tout est (encore) possible, de l’insensé à l’onirique.

ANGLES MORTS

ANGLES MORTS

Pour avancer, il faut bondir sur le ring, se battre, prendre des coups, les encaisser, les esquiver, perdre et gagner. Si donc en tant que meuf, en tant que gouine, en tant que noire ; si donc en tant que gouine noire congo-belge, beaucoup de temps se perd en petites négociations intérieures avec la norme, Joëlle Sambi rit et monte sur scène avec la meute des siennes. Elles rendent coup sur coup, fendent les jougs et tentent de faire maison ou, à défaut, d’entendre raison.
Avec Angles Morts, l’autrice et performeuse interroge la possibilité de communauté en dépit de nos inconciliables oppositions. A coup de krump, de musique électro et de boxe, elle crée un spectacle comme une ritournelle, un mantra, une lutte en continu. Parce que la radicale nuance. Parce que les violences. Parce que la mesure et l’excès sont toujours politiques.

Rain

Rain

Un solo pour se réapproprier sa féminité et la redéfinir sans la rejeter. Pour libérer les spectateur·rice·s du poids des préconçus et atteindre une présence iconique de l’intime. Souvenir et mémoire d’enfance traversent la danse délicate et sensible de Meytal Blanaru. “Rain” revient sur un événement traumatisant, déchirement de l’intime que les détails du mouvement révèlent peu à peu à travers le corps et ses transformations, entre violence et vulnérabilité. Basée sur la technique Feldenkrais, la pièce est d’autant plus forte et lumineuse qu’elle joue sur la simplicité et l’économie de sa mise en forme : postures, silences, tensions.

Forces

Forces

FORCES est un rituel futuriste et immersif où trois figures féminines nous emportent en un tourbillon de forces primaires, telluriques, et technologiques. Telles des chamanes guerrières cyborgs, ces passeuses puisent dans l’invisible, pour faire de leurs corps, le vecteur d’une métamorphose vitale, collective, émancipatrice. Dans le sillon d’ATOMIC 3001, Leslie Mannès, Thomas Turine et Vincent Lemaître continuent d’explorer la relation triangulaire et fusionnelle entre le corps, le son et la lumière, afin de provoquer chez le spectateur une expérience sensorielle, totale et englobante.
FORCES fait appel à l’irrationnel pour célébrer le pouvoir du vivant en mettant en scène un corps en constante mutation, connecté aux éléments, au chaos, à la joie et à la collectivité tentant de se ré-approprier son pouvoir du dedans.

IDA don’t cry me love

IDA don’t cry me love

À l’origine, il y a Ida Rubinstein, danseuse légendaire des Ballets russes, muse de Serge Diaghilev, qui fit sensation à Paris au début du XXè siècle par son charisme, sa beauté et sa présence sulfureuse. Aujourd’hui, il y a trois femmes qui réinterrogent ce mythe à la lumière actuelle. Spectacle ancré dans notre époque qui questionne la pluralité et la liberté de nos identités contemporaines avec pour outil, l’Histoire de la danse et singulièrement, celle des Ballets russes.

Vacances vacances

Vacances vacances

Un hommage à tous ces moments où l’on n’est pas exactement là où l’on devrait être, parce qu’on est en retard, ailleurs, en vacances ou à côté de son corps. C’est une observation de ce qui n’est pas là, maintenant, mais qui peut-être a été, avant, ou ailleurs.
Des allers-retours entre le corps et la pensée, de petits voyages dont le but serait que l’absence apparaisse. Et avec elle, peut-être, les absent·e·s.
Un solo, un monologue, une pièce chorégraphique. Ondine y déroule une pensée, une logorrhée où elle parle des vacances, de l’hypnose, des NDE (Near death experience), de la maladresse, du bégaiement, de Démosthène, de la grâce et surtout de l’absence. Ondine est en dehors de son corps, à côté, avant, après.

BALADES 1#BRUXELLES + EYMEN

BALADES 1#BRUXELLES + EYMEN

Balades 1#Bruxellesest un projet vidéo/cirque in situ où Élodie Doñaque suspend son trapèze dans l’espace public et se filme. Elle sort ainsi la pratique du cirque hors des cadres qui lui sont réservés et explore la relation du corps dans un milieu urbain. Sa démarche est plastique. Elle s’installe sur les frontières, les failles et renouvelle la lecture de paysages.
Balades 1# est une série de portraits urbains réalisés à Bruxelles, projetés sous la musique live d’Éric Bribosia au clavier. Eymen est une courte forme pour une trapéziste et un musicien.
Pour cette performance, Élodie Doñaque présente un travail autour de la suspension.
Une recherche radicale du corps / musique / son.
Élodie joue avec la gravité et sa propre fragilité.
Elle expérimente la fatigue pour atteindre un nouvel état, repousse ses limites d’endurance, de force, de lenteur, de douceur ou de légèreté.
La performance est accompagnée par Fabian Fiorini au piano.
La musique ouvre un imaginaire, aiguise un état, offre des respirations, une suspension du temps, une possibilité de mouvement.

10:10

10:10

10:10, c’est l’heure de la récré. La cour d’école devient alors pour quelques minutes le territoire de tous les possibles. Trois danseurs et un batteur se lancent dans un tourbillon de jeux rythmés et chorégraphiés. Une danse contemporaine jeune public exigeante, percutante qui nous emporte dans cette joyeuse tranche d’enfance.

«Et si tous les enfants dansaient tout le temps? Et si la cour était une scène aux danses entrecroisées?»

Dans la cour, ce microcosme à la fois opaque et familier, les enfants s’organisent entre eux, (s’)inventent, luttent ou se replient. L’espace grouille et fourmille d’actions, de sons et de sensations.

i-clit

i-clit

Un spectacle manifeste du corps, de la chair, où l’objet sexuel devient sujet.

Une nouvelle vague féministe est née – ultra-connectée, ultra-sexuée et plus populaire. Mais face au pouvoir ambivalent de la pop culture, où et comment se placer dans ce combat en tant que jeune femme ? Quelles armes utiliser ?
Ce solo explore les différents courants féministes contemporains et leur lien avec la culture pop. La popularisation du féminisme est-elle une réelle prise de pouvoir ou une auto-contradiction profonde ? Une vraie revendication ou une récupération marketing ?

« i-clit » traque ces moments de fragilité, où l’on oscille entre affranchissement et nouvelles formes d’oppression.

inaudible

inaudible

Hommage à l’interprétation, place à la jubilation de la danse. inaudible rend lisible par le corps et les gestes tout ce que nous ne percevons pas dans une partition. Signature du chorégraphe Thomas Hauert qui confronte sur scène interprétations chorégraphique et musicale dans une danse joyeusement décomplexée, inventive et osée.

Dans sa recherche sur le mouvement, Thomas Hauert demeure fasciné par les relations fécondes entre danse et musique. Avec sa dernière pièce de groupe pour six danseurs inaudible (2016), Thomas Hauert prend comme point de départ la notion de l’ « interprétation ». Le chorégraphe utilise des pièces musicales existantes qu’il met en étroite relation avec des partitions chorégraphiques et improvisations structurées. Les danseurs se confrontent ici au Concerto en fa de George Gershwin et à Ludus de Morte Regis du compositeur contemporain Mauro Lanza. Toujours à la recherche de nouvelles approches en danse, le chorégraphe renverse le principe du « mickeymousing » afin de laisser le mouvement suivre la musique au plus près. En résulte une chorégraphie formidablement dense et détaillée, un captivant tissu mouvant qui semble donner une matérialité physique à l’expérience musicale.

Phasme

Phasme

Variation sur l’immobile à travers une chorégraphie esthétisante et envoûtante.

Une femme enchâssée dans une table, figure errante et solitaire posée dans un lieu oublié. La table est devenue sa demeure, son embarcation, son fardeau. Elle s’y fond, s’y confond. Survivent en elle les réminiscences d’une histoire, dont elle nous livre les traces. Des gestes pour combler le vide, pour remplir le temps et nous faire entendre cet inépuisable désir d’exister.
Le portrait est traité ici comme modalité de l’expérience impliquant un mouvement incessant de réajustements, suggérant que ce qui est montré n’est jamais totalement acquis.
Inspiré d’une série de tableaux du peintre Michaël Borremans, Phasme est le deuxième volet des Variations sur l’immobile.

À travers l’Autre

À travers l’Autre

Les Mybalés sont liées par une histoire commune et une complicité profonde : elles sont jumelles. Cette éméllité les unit d’autant plus qu’elle joue une place prépondérante dans leur vie. Vécu comme une ébidence, leur duo est une force.

Dans la continuité de leur premier spectacle Illusion, Les Mybalés explorent les différentes symboliques de la géméllité d’une culture à travers l’autre : bonheur, bénédiction, malheur, protection…Elles interrogent les jumeaux sur leurs sentiments, leur manière de vivre et leur construction identitaire. C’est une profonde démarche, pour comprendre et comparer les différentes relations entre jumeaux, qui nourrira leur spectacle des émotions et sentiments qui les lient.

Nativos

Nativos

Avec Nativos, la chorégraphe bruxelloise d’origine argentine Ayelen Parolin part d’une relecture à la fois absurde et éclatée des rituels chamaniques coréens, pour resserrer ensuite son écriture dans une forme chorégraphique mathématique et obsessionnelle.

Nativos est une proposition faite à Ayelen Parolin par le théâtre de Liège et la Korea National Contemporary Dance Company.
L’idée initiale était de partir de sa pièce Hérétiques, inspirée du chamanisme et tentant d’imaginer un rituel en rapport avec notre société, hyper-codifiée, uniformisée, machinique.
En compagnie de quatre danseurs coréens, Ayelen a ainsi cherché à réactiver le matériel chorégraphique d’Hérétiques tout en le confrontant à la culture coréenne et notamment sa forte tradition chamanique. Dans ce cheminement, toute l’équipe a assisté à une cérémonie chamanique à Séoul, qui a donné au projet sa couleur singulière : une interrogation/réinterprétation de cette expérience vécue ensemble.
Une façon d’explorer de nouvelles zones dans la partition initiale et d’y intégrer des questionnements liés au processus même de cette création, résultat d’une rencontre entre cultures.
Le tout est rythmé par une composition au piano de Lea Petra, additionnée des tonalités plus traditionnelles (supprimer) du (remplacer par) d’un percussionniste et chanteur coréen.