Un hommage au travail de la technique, au montage, à la scénographie.
Montrer les coulisses, la machinerie, le grill.
Un ballet de technicien.ne.s, un mikado de truss, une structure/sculpture de ponts métalliques, une danse en (dé)construction.
Julie Lombe incarne un fonctionnaire fantasque qui invite à régler 11 impôts hauts en couleur aussi obligatoires qu’injustes : taxes rose, rouge, verte, blanche… Elle parle cash du travail gratuit, des bas salaires, des dépenses genrées, de violence économique, de patrimoine et de morale. Alors qu’un chemin d’appauvrissement se dessine, entre les guichets naissent des poésies slams qui questionnent un sujet tabou : l’argent.
Sur une création sonore de Sara Machine, la pièce rebondit du MLF à Margaret Thatcher et de Simone de Beauvoir à Beyoncé, dans un récit social d’émancipation financière aussi féroce que drôle.
Nadjad est un auteur et un slameur légèrement névrosé, obsessionnel et maniaque. Timide en société, ce dernier entretient un rapport fusionnel avec des objets et s’évertue à faire grandir des collections souvent incomprises par ses proches. Dans La carte de ces jours, Nadjad est soudainement amené à présenter sa passion la plus secrète : sa collection de tables.
Cette présentation l’invite à évoquer pêle-mêle son bureau d’étudiant précarisé, le dernier plan de table lorsque sa famille était encore au complet, son bureau de travailleur racisé harcelé, la table de ses premiers textes de slam et celles qui accueilleront les futur.es client.es de son premier foodtruck, qui mettra à l’honneur la cuisine de ses racines comoriennes.
A travers un jeu de flashback musical d’inspiration Twarab, et une métaphore filée autour de la porosité des repères des personnes en marge, Nadjad revisite le spectre des questions identitaires auxquelles il a été confronté tout au long de sa vie. « La carte de ces jours » est ainsi à l’intersection d’une histoire personnelle et de vécus communs souvent invisibilisés, voire tus.
Crache ! est une traversée, un trajet. Celui d’une langue empêchée qui cherche à s’exprimer librement.
Mettant en jeu des plaques miroir, des plantes tropicales et des masques, une femme imagine, dans une sorte de rituel théâtral, un voyage retour en avion à l’île de la Réunion où elle est née.
Elle cherche à cerner l’origine de son rapport complexe à la langue créole, une langue qu’elle a du mal à parler alors même qu’il s’agit, avec le français, de l’une de ses langues maternelles. Convoquant ses souvenirs d’enfance et d’adolescence dans l’île, elle retrace les épisodes clés qui ont contribué à la couper de cette partie de son identité, sa langue créole, une langue étouffée qui, du fond de sa gorge gratte et cherche un passage par lequel rejaillir.
Avons-nous un besoin compulsif, si profond, si archaïque et intergénérationnel, qu’il faille à tout prix le soulager en crachant sur quelqu’un ? Et si tel est le cas, en quoi la femme dite “salope” représente la cible parfaite ? Que cherche-t-on à punir absolument chez cette fille “trop” sexualisée ?
Pierrick a grandi là où une fille qui avait l’audace de montrer le moindre signe de désir sexuel était une « salope ». Il a pourtant grandi entouré de gens « biens », ouverts et tolérants. Ce paradoxe, ce constat, qu’il observe encore aujourd’hui, c’est l’objet de sa recherche.
Sous forme d’enquête brassant le plus largement possible, Pieuvre 1 explore à partir d’un fait divers – à moins qu’il ne s’agisse d’un événement dit « tragique » – les articulations entre l’intime, l’historique et le politique.
« Je ne sais pas quel serait le début. Peut-être est-il biographique. Peut-être est-ce un inventaire. Simple, objectif. Une liste d’objets qu’on aurait sauvés d’un naufrage. Peut-être faut-il avant tout décrire le paysage à l’instant T… »
L’objectif de cette sorte d’enquête, est de sortir le fait divers de son caractère individuel et de trouver ses ramifications intimes, historiques et politiques. Cette recherche ne se prive d’aucune digression. Françoise Bloch ne s’empêchera pas d’explorer toutes les pattes de la pieuvre qui s’offrent à elle.
Pieuvre 1 est la première partie d’une future création déambulatoire (création prévue pour 2025).
Spectacle documentaire et poétique à destination des adolescent•e•s, FAST s’intéresse à une thématique à la fois universelle et intime : la fast fashion.
Sans moralisation ni culpabilisation, le spectacle questionne l’ambiguïté de notre mode de consommation du vêtement et interroge notre aveuglement (in)conscient face à ces modes de production anti-sociaux et anti écologiques. Au-delà de ces aspects rationnels, FAST adresse aussi notre rapport intime au vêtement, au plaisir qu’il apporte pour soigner son apparence. Nous abordons comment les marques et la publicité jouent avec ce plaisir en créant chez nous un désir constant de consommation, de nouveauté.
Le jour où un magazine de développement personnel a déclenché la guerre, personne n’était préparé.
Ni le roi de Chichi, complètement mégalo qui a tout compris de travers. Ni la reine de Vinise, qui a plus d’un tour dans son sac. Ni cette toute petite fille de 6 ans qui en découvre l’histoire dans ce très très grand livre, presque plus grand qu’elle. Ni vous, chèr.e.s spectateurices, car oui c’est grâce à vous et à vos choix que cette histoire va se raconter !
La reine de Vinise a le pouvoir de transformer la violence en quelque chose de beau et simple : les rencontres, la musique, la danse, la bonne bouffe, les déguisements. La fête. Ce n’est pas se mettre des œillères, c’est regarder ailleurs et vivre autre chose.
Un jeune homme est enfermé, sans n’avoir plus aucun repère, et nous parle. C’est le fils qu’un dictateur destinait à sa succession et qui s’y préparait. Passant beaucoup de temps sur les réseaux sociaux, il a fini par côtoyer le bas peuple et a, un jour, osé demander à son père de lâcher du lest. S’en est suivie une descente aux enfers qui l’a conduit dans ce lieu clos d’où il s’interroge, tentant de ne pas sombrer dans la folie.
Le texte a été édité en juin 2023 par les Editions Espaces 34.
Penser la présence de ces objets ici en Europe, c’est envisager leur absence
en Afrique. Que faire après avoir arraché des collections à des humains qui
nous ressemblent ? Est-il possible d’être emphatique est de restituer des objets
aux peuples et aux artistes qui les ont créés ? Pourquoi tant de résistance
face à la question de la restitution du patrimoine et matrimoine africain,
des oeuvres d’Art, des objets culturels, cultuels, et des restes humains, des
biens mal-acquis ou pillés pendant et après la colonisation ? Et quelles
sont les conséquences dans le racisme systémique actuel de la représentation
de l’Autre dans les musées ethnographiques ?
Tervuren pose la question de la décolonisation des musées ethnographiques
et de la restitution du patrimoine-matrimoine africain.
Présente mais pas là, là mais ailleurs. Ce spectacle onirique raconte l’histoire d’une enfant-phare à la recherche de sa mère-brouillard, de sa mère absente. Mère trop occupée, mère qui tangue, mer épuisée, mer agitée, mer sans mémoire, mer évaporée… Comment une petite vague peut apprendre la marée, s’amarrer au port et apprendre à partir au large…
Cette enfant, cette petite vague, sa mère l’appelle Trésor. Au pied de ses dessins, Trésor twiste et illumine son quotidien, court avec les mouettes, fait des bisous guéritout, balance de la couleur et des offensives de câlins, karatékate les nuages noirs. En fouillant l’abyssale absence de sa mère, l’enfant bascule dans un océan initiatique où les rencontres du fond marin la ramèneront à la surface, légère et fortifiée.
Beat’ume, c’est une traversée de la vie bruxelloise en scooter, par deux jeunes femmes sillonnant les milieux, bousculant les codes, passant du harcèlement vécu à la nuit alcoolisée, des soirées en bandes de filles aux milieux underground, féministes ou hip-hop, selon l’humeur.
C’est à partir de leur vécu, de leur quotidien et de leurs textes Slam que T.A et Zouz proposent une forme spectaculaire slamée. Objet scénique à la frontière du slam, de la musique Hip-Hop et de la théâtralité, c’est le pari pour le duo de slameuses bruxelloises Z&T, de sortir du simple set de slam – succession de textes de trois minutes, pour aller vers une dramaturgie plus complexe, plus aboutie, une performance théâtralisée baigné de musique. La forme du spectacle se construit dans le montage de leurs slams. Des dialogues entre les deux artistes ainsi que des freestyles de rap viennent lier les différents fragments de la forme.
Macc(h)abées parlera de la mort, non pas de manière métaphorique, mais de manière très directe, corporelle. Le spectacle parlera du deuil, de l’adieu, du rapport compliqué au corps de moins en moins « productif », du choix de la mort, et il parlera donc nécessairement de la vie et du sens qu’on donne à cette vie, à travers nos expériences et nos engagements.
Basé sur une longue période de recherches préliminaires (notamment sur la question de l’euthanasie), d’expériences immersives, troublantes mais nécessaires (le soin des morts), de rencontres bouleversantes (avec des médecins, des patients, des psychologues, des « professionnel-le-s » de la mort), Macc(h)abées veut raconter l’histoire de cette impossible rencontre avec la mort. Comment se séparer de la vie quand il est trop tôt ? Comment prendre la décision de ne plus vivre ? Le vivant appelle la mort, la mort appelle le vivant. Le spectacle sera un rituel théâtralisé, certes, informé par une recherche documentaire poussée, ancré dans le réel de la chose, mais, surtout, un rituel de la mort et donc de la vie. Il prendra comme socle le texte testamentaire d’un médecin du peuple, Dirk Van Duppen, comme une sorte de pacte avec la vie, sur lequel viendront se greffer d’autres matériaux issus de l’enquête préalable.
Moi, à partir de maintenant, c’est d’oblique sans discontinuer !
Je ne veux plus être une armoire, je veux redevenir tronc.
Une fable poétique et musicale en désordre pour habiller le monde et nous protéger de sa réalité. L’énigme de l’infiniment grand et du tout petit que nous sommes, additionné à l’illusion de nos perceptions. Que dire ? Comment parler vrai ? Les Indiens d’Amérique se racontaient des histoires, plus incroyables les unes que les autres, pour expliquer les mystères du monde. Et nous ? Quelles histoires, à la hauteur de la distance, nous faudra-t-il pour nous rassurer, alors que la science et les télescopes s’enfoncent toujours plus loin vers le début des temps ?
Grosse Bagarre, c’est l’histoire d’une bagarre, semblable à tant d’autres, sur une place publique.
Pour s’acquitter, les protagonistes ; Antonin, Elisa, Gwladys, Habib et Maxi devront performer un spectacle préventif contre la violence, en reconstituant leur altercation devant le public.
Très vite, cette reconstitution prendra une dimension artistique, et les comédiens improvisés seront remplacés de force par des professionnels. Ceux qui se sont rencontrés dans une bagarre devront apprendre à travailler main dans la main pour regagner leur place sur scène.
Trois femmes en prison (une gardienne, deux détenues) découvrent à la lecture de « Belle du Seigneur » qu’elles ont « une histoire avec l’amour » qui dépasse largement les limites de leur raison propre. Ainée d’une fratrie de six enfants habitué·e·s aux grands espaces des belles demeures et aux béatitudes de la messe du dimanche, brillante étudiante en Hypokhâgne, Gentiane Aimery de Pâmefoudre va fêter ses 19 ans en prison.
Son groupe d’amis du parti révolutionnaire bolchevik a été dissout par la police antiterroriste.
Gentiane doit désormais survivre face à une détenue du surnom de Nono, diminutif de Nausicaa, son nom d’ancienne prostituée de luxe, qui entame sa cinquième année derrière les barreaux.
Au cours d’une échauffourée en cellule la gardienne Laura Deume laisse échapper dans la bataille son unique exemplaire de l’ouvrage d’Albert Cohen, « Belle du Seigneur ».
Nono restée seule dans sa cellule avec ce livre entame une lecture fondatrice d’une liberté nouvelle. Fascinée par ces héros qui « aiment pour rien », bouleversée par le vocabulaire multicolore et chatoyant des cocasses personnages du roman, dépassée par leur vaine soif de complétude et intriguée par cette curieuse quête d’absolu dans l’amour, Nono sent qu’elle vit à présent une histoire « avec l’amour » qui diffère et rejoue toutes celles qu’elle a vécu jusque-là. Au retour de Gentiane dans la cellule, elle craque et lui confie ses nouveaux tourments ; jusqu’à l’irruption de Laura, la gardienne, furieuse qu’on l’ait dépossédée de l’ouvrage qui donnait un sens à sa vie de mère célibataire. Les deux prisonnières vont devoir faire corps et constater, à la clandestine lecture de l’ouvrage, combien l’enfermement est d’abord une question de choix.
Trois actes. Trois histoires d’amour. Trois réalités. Trois pays à raconter. Pour nous renvoyer à notre propre réalité. Soixante minutes de spectacle. Du journalisme autrement. Sans magazine. Avec des couleurs, des sons, des odeurs. Les codes du conte pour raconter le vivant, le vécu aussi. Une invitation au voyage à travers des récits que j’ai entendus. Des moments suspendus. Des observations qui m’ont bouleversée, dégoûtée, amusée, transcendée.
Des moments rocambolesques. Des baisers passionnés entrecoupés de discussions autour de disparition, d’identités multiples et de résilience. La guerre, c’est parfois au-dedans, parfois au-dehors. Le personnel pour ouvrir l’universel. Les luttes psychologiques et la géopolitique. La jeunesse, les rêves, les désillusions. Le poids du passé qui bombarde la légèreté.
Un voyage au cœur d’un univers qui se fait se frôler marionnettes, manipulation, danse/mouvements et arts numériques. « Llouise » est inspirée de la vie et l’œuvre de Louise Bourgeois artiste franco-américaine.
Sur scène, des objets font référence à certaines œuvres de l’artiste. C’est alors un voyage sensible qui commence avec une danseuse qui, au contact des objets, questionne l’impact de l’enfance, la filiation, le rôle de la mère, de la femme, de l’artiste.
Alors le trouble renvoie à de nouvelles impressions avec les images, le corps dansant et le double de Louise.
Une araignée géante motorisée, à l’image de l’œuvre emblématique « Spider », se met en vie peu à peu jusqu’à l’affrontement et la rencontre. Et puis, oser toucher, repousser, caresser l’animal, comme pour dépasser les limites de nos peurs et de nos propres expériences.
Une fable aquatique, qui se passe au bord et au fond d’une piscine, dans une scénographie complètement métaphorique et onirique, où le plongeoir revêt une place centrale, et tiendra lieu d’agrès de cirque. Au sein de cette création, Sarah Devaux désire explorer un rapport à quelque chose de profondément enfoui qui aurait à voir avec le temps, et à une certaine mélancolie, qui nécessite un aller vers, aller vers l’inédit, l’inespéré. Reconquérir un désir, une audace et un abandon de soi qui nécessite de fait un risque… L’instant du plongeon.
Inspirée par l’essai « Éloge du risque » d’Anne Dufourmantelle, elle vise un spectacle qui soit un genre d’essai, un postulat philosophique qui puisse avoir sa place dans une pièce physique, vivante, théâtrale… Un essai physique et scénographique où toute tentative, quel que soit le moyen, est une tentative de réponse. Tentative de réponse à ces questions posées au bord du vide, au bord de la piscine, en suspens.
L’univers de l’eau avec ses figures mythologiques, ses symboles et le sentiment océanique qu’elle suscite font partie intégrante de l’univers du projet, car enfin, le plongeon lui doit tout.
La grotte est un lieu de rêveries. À la fois paysage mental et réalité concrète, la grotte est un espace fascinant: un creux ménagé dans l’épaisseur du monde, partagé entre sol et sous-sol, dont on ne sait s’il faut s’en méfier ou s’y réfugier.
Antagoniste par nature, la grotte semble appeler l’Homme à l’exploration, à la découverte de mystères profonds, tout comme au repli à l’écart du monde.
Car la grotte est d’abord un abri, un refuge. Le lieu où l’on entre pour se couper du monde extérieur et pour recréer ou communiquer avec un autre monde, un autre temps intérieur. L’entrée dans une grotte est aussi un voyage: un voyage dans le temps. Deux sœurs se retrouvent après des années de séparation, et mènent l’enquête à la recherche de leur passé.
Tandis que l’une enquête sur les dessins gravés par nos ancêtres sur les parois d’une grotte préhistorique, l’autre sœur fouille frénétiquement la cave familiale à la recherche des traces de son passé.
Leurs deux enquêtes vont faire voyager le·la spectateur·rice entre grotte et cave, entre histoire millénaire et autofiction contemporaine.
Elles révéleront la présence d’un ancêtre oublié prêt à bousculer nos conceptions de l’altérité.
Une installation chorégraphique en suspens; un portrait de l’Homme contemporain qui, aujourd’hui plus que jamais, s’interroge sur les déterminants de son équilibre, et de son territoire.
Dehors est blanc est une référence à un phénomène optique atmosphérique, le «blanc dehors», dans lequel les contrastes sont nuls et où tout semble enveloppé d’une lueur blanche uniforme. L’observateur·rice ne peut alors discerner ni les ombres, ni l’horizon, provoquant une perte du sens de la profondeur et de l’orientation.
L’être humain est un assemblage de forces en constant déséquilibre ; une tentative de résistance dans l’organisation de la matière. Il est l’un des multiples visages habilement bricolés par la nature, insignifiant et audacieux, dont la survie dépend essentiellement de sa capacité à se repositionner.
Dehors est blanc explore la définition de l’équilibre et du territoire, imaginant un dispositif qui permet d’expérimenter l’équilibre d’un corps dans le vide, suspendu en l’air par des contre-poids autonomes.
Un voyage en montagnes russes dans l’œuvre d’Eugène Savitzkaya. Une visite en musique, créée pour la circonstance, en accord avec la matière textuelle.
Sur scène, Eugène Savitzkaya habite ses propres récits. Dans cet antre, avec lui, trois musiciens électriques ayant créé des chansons inédites improvisées à partir des textes de l’auteur. Véritable objet scénique hybride, La vie en balançoire, avec ses hauts et ses bas, ses pleins et ses déliés, ses ritournelles et ses coups de gueule, ses extases et ses dégoûts, nous porte là où le particulier devient universel, là où la poésie est au cœur même de la vie.
Après Antifreeze solution et Daisy Tambour, le trio Tomassenko entame un troisième volet, Contes nus. Un nouveau spectacle tourné vers le dehors, sous les étoiles, explorant l’énigme de l’infiniment grand, et du tout petit que nous sommes. «C’est en ouvrant le frigo que je vois le riz, dans un pot, dans le frigo de la maison, dans la rue du pays du continent, etc…».
Ces contenus dans des contenants. Le contenant d’un contenu étant le contenu du contenant suivant. Mais quel est donc le dernier contenant? Une fois que le bout du bout est atteint, et que l’univers entier est un contenu qui cherche son contenant? À moins que l’univers soit un contenu auto-contenant?
Que nous reste-t-il à raconter. Quelles histoires, combien nous en faudra-t-il alors que la science, la physique et les télescopes s’enfoncent toujours plus loin vers le début des temps (pour autant qu’un début existe)? Le mystère s’épaissit. Et puis raconter des histoires, s’entendre raconter des histoires, un mal nécessaire pour se rassurer de l’infinitude? Le réel peut-il se passer de la poésie? Ou se raconter des histoires: des bobards pour se voiler la face?
Rêver d’une poésie vivante pour agir par le sensible contre la violence, d’une action réelle qui puisse déplacer les lignes, faire basculer le plan, faire osciller la norme.
Rêver de parler pour ouvrir les débats.
Rêver de ne pas céder à l’anesthésie de notre société, créer des connexions vivantes, concrètes et radicales.
«On ne naît pas femme, on le devient.» Simone de Beauvoir
En 2011, à Toronto, un officier de police a dit que pour éviter d’être violée, il faut éviter de «s’habiller comme une salope». De là, est arrivé le slogan, dans les marches de protestation féministe, «SlutWalk», «Ne nous dites pas comment nous comporter, dites-leur de ne pas violer».
Car il est toujours commun et ordinaire de penser que ce n’est pas au violeur de ne pas violer, mais à la victime de tout faire pour ne pas l’être.
Comment en sommes-nous arrivé·e·s à regarder une femme en plein orgasme alors qu’elle se lave les cheveux?
Hypersexualisation, invisibilité féminine, patriarcat, sexisme, stéréotypes de genre, conventions sociales… La liste est longue.
Et si nous décidions de désobéir car il n’est plus possible d’obéir.
«Quand on explique aux enfants: «Le masculin l’emporte sur le féminin.», ce n’est pas seulement une règle de grammaire, c’est une règle sociale qu’on leur apprend.».
Éliane Viennot
Voyage dans le parcours de vie de Fridtjof Nansen, aventurier nordique, scientifique et humanitaire norvégien.
L’histoire d’un homme qui a passé sa vie à outrepasser la notion de frontière et qui nous amène à une réflexion sensible sur les questions d’environnement, de migration, de géopolitique et d’exploration. Quatre personnes issues de la diplomatie européenne sont invitées par une de leur consœur dans un no man’s land, un abri reculé probablement dans l’extrême nord de la Norvège pour expérimenter de nouvelles formes de communication et d’échanges d’idées.
Ils sont assistés de deux intendants pour le bon déroulé de ce conclave d’un genre nouveau. Il s’agit de proposer des ambiances, des mises en situation, des jeux de rôles pour accéder à une nouvelle forme de compréhension du monde et des autres.
Un des intendants, tel un régisseur plateau, s’occupe d’activer les diverses machines et rouages qui habitent l’espace. Le second se charge de l’ambiance sonore entre le bruiteur et le musicien de salon.
Tomber du monde est un huis-clos qui dérive subrepticement vers les confins de la connaissance, une partition hybride à la fois musicale, chorégraphique et technique sous l’égide de Fridtjof Nansen.
Si vis pacem, para bellum, si tu veux la paix, prépare la guerre.
Un solo émancipateur.
Une émancipation primaire et personnelle, une nouvelle quête d’autonomie.
Un solo comme un combat. Laisser surgir l’idée du combat, de sa préparation, avec, au centre, un corps, féminine matière en réinvention. L’envie de mener bataille, comme un jeu avec soi-même, avec les mondes que l’on a pu traverser, et avec tout qui peut encore advenir… devant soi.
Tout d’abord et, avant tout, il y a le désir.
Se recentrer, reprendre la forme solo, puis «se déplacer». Comme une redécouverte à la fois des mouvements du corps et de ses environnements. Avec leurs vides, leurs pleins, et tout ce qui les traverse… imperceptiblement.
Tout d’abord, aussi, il y a une forme de colère.
Moteur d’un désir en sourdine, qui retarde sans arrêt son entrée… ou sa sortie.
Cette puissance également, qui pousse à la lutte, au combat, à poursuivre, persévérer.
Ceci, sans que l’idée soit de travailler sur ce mot, mais sur ses racines : partir de…
Déclaration schizophrène de deux duchesses au rappeur misogyne Booba. Elles lui déclarent leur amour et leur haine et reprennent ainsi le pouvoir.
Au départ de Métagore Majeure, le rap de Booba. Le constat est sans appel: les femmes sont des chiennes, des putes, des grosses biatchs, des tass-pé, seulement bonnes à se faire baiser ou à faire à manger. Dans un parking glauque, sur un ring de boxe improvisé, deux duchesses survoltées préparent leur revanche. Sur fond de punchlines crues, de stéréotypes gangstas et de musique baroque, ces demoiselles décident de reprendre le pouvoir, tiraillées entre amour et haine pour le rappeur. Et quand la dentelle se frotte au gore, le mélange ne peut être que corrosif.
Fable désinvolte et fantaisiste sur l’obéissance, l’autorité et la parole empêchée.
Ils sont 5, ils sont jeunes et ils sont en uniformes militaires.
Ces corps disciplinés nous permettent de jouer avec les rapports de hiérarchie et de pouvoir. Par tableau, chacun des acteurs endosse un costume qui va lui donner une autorité, et lui permettre de devenir maître de la scène.
Un personnage, Pilou-Carmin, essaie de faire entendre sa voix, pour raconter comment c’était, sa guerre, en 1960…
Mais cette parole est empêchée et jusqu’au bout, on se demande, s’il va réussir à la faire entendre, son histoire. Et nous à l’écouter.
Sur scène, un homme et une femme explorent un monument de la littérature mondiale – « À la Recherche du temps perdu » de Marcel Proust – et partagent ce qu’ils y trouvent qui a trait au théâtre. Lui, toujours extérieur, toujours Narrateur, toujours spectateur : fasciné d’abord par l’Actrice, puis à travers elle par la représentation, le lieu du théâtre, le jeu social qui l’entoure. Elle, éternelle et unique Actrice, mais aussi dédoublée entre deux actrices concurrentes qu’opposent leurs carrières, mais aussi leur conception du théâtre, et leur vision de ce qu’est « le jeu », entre incarnation et distanciation, entre mimésis et modernité.
Dans la recherche de ces deux corps, flanqués d’autres corps postiches – ombres, projections ou mannequins – et du corps collectif du public présent, se révèle peu à peu, non seulement ce qui nous fascine au théâtre, mais aussi ce qui nourrit plus généralement notre « empathie », ce mouvement de l’âme qui nous met à la place de l’autre. Car c’est bien ce moteur fondamental de notre humanité que cultivent les acteurs dans leur travail, et que nous activons comme spectateurs pour les regarder.
Épopée rock inspirée de l’œuvre et du parcours incroyable et tragique d’Aloïse Corbaz.
C’est le portrait imaginaire d’une femme hors du commun, internée à 32 ans, en Suisse, pour « délire pacifiste et antimilitariste » en pleine horreur de la Première Guerre mondiale.
C’est un hommage à une artiste qui mena pendant les quarante-six années de son internement, une quête d’émancipation sans bornes, entre quatre murs.
C’est une fenêtre ouverte sur un royaume étrange et brillant.
C’est une ode à la liberté.
Pièce en quatre langues née de la colère de Paola Pisciottano vis à vis de la diffusion des discours néofascistes et néonationalistes parmi les jeunes en Europe.
Dans Extreme/Malecane, interviews, vécu personnel des acteurs, matériel provenant du Net se tissent et font l’objet d’une conférence performative enragée qui déraille progressivement selon une poétique du fragment.
Fascinée depuis toujours par l’animation en tant qu’art du mouvement, Karine Ponties développe sa prochaine création à partir du « Conte des contes », film d’animation russe couronné de Youri Norstein, condensé de poésie dans lequel résonne l’histoire du 20ème siècle.
« Lichens » sera une pièce où la réalité poétique naîtra des oppositions de réalités créées par le montage ou les métamorphoses. C’est une pièce non narrative pour cinq interprètes, de six scènes distinctes, chacune portant son grain particulier, travaillé dans l’épaisseur de l’image. Un paysage diaphane, composé de figures archétypales, un minotaure, une petite fille et sa corde à sauter ; un coin terreux, d’où émergent le détail de muscles et d’os ; une salle de bain qui se retourne sur elle-même…
Le quotidien des maisons de retraite à travers un théâtre du presque rien. Une invitation à rencontrer la vie des résidents, hors du monde, dans leur mouroir doré.
Trois personnes âgées dans une maison de retraite. Les aides-soignants ont disparus. L’espace est clos, ils ne peuvent pas partir. Ils continuent à vivre, se débrouillant tant bien que mal avec leurs corps et leurs solitudes. Dans ce huis clos où se jouent leurs grands drames, le théâtre s’invite comme consolation, leur permettant de rejouer des fêtes disparues, de se rendre les visites qu’ils n’attendent plus. Au fur et à mesure, (l’espace se détériore, se salit): la nature reprend ses droits.
Deux actrices et un acteur prêtent leurs corps à ces voix, un corps jeune qui endosse les caractéristiques biologiques du vieillissement, sans maquillage ni costume. Ces tableaux se composent des petits riens qui font le quotidien des maisons de retraite, et racontent tour à tour les solitudes, les attentions, la solidarité, les aigreurs qui traversent la vie des résidents.
Recherche chorégraphique sur le sentiment d’amour et ses effets sur le corps dans une danse performative au cœur de l’énergie amoureuse.
«Met liefde» peut se traduire du néerlandais par «avec amour» ou «avec cœur», deux points de départs qui furent l’essence de la dramaturgie engagée sur ce travail. Avec les performeur.euse.s, nous créons le pont entre sentiment et effet direct sur le corps. Que se passe-t-il lorsque l’on tombe amoureux.se.s? On a chaud, on transpire, on en parle, on se court après, on se prend des claques, on s’amuse, on tourne en rond, …
C’est ce bouillonnement d’énergies diverses qu’on désire retranscrire en mouvements, en langages corporels.
Adaptation marionnettique de la nouvelle éponyme d’Irène Némirovsky: Ida.
L’histoire d’une chute, la chute d’une étrangère qui avait presque mis Paris à ses pieds.
Ida, vedette indétrônée depuis des décennies, tient le haut de l’affiche.
La petite étrangère accueillie avec tant d’hostilité et de mépris lors de son arrivée en France, jouit aujourd’hui pleinement de sa revanche: elle est LA reine du music-hall parisien.
Ida est une guerrière. Mais une guerrière qui s’apprête à livrer sa dernière bataille.
Son armure se fissure: les souvenirs, les regrets, les rancœurs, les doutes, la fatigue, la peur, s’immiscent et croissent en elle.
Un spectacle manifeste du corps, de la chair, où l’objet sexuel devient sujet.
Une nouvelle vague féministe est née – ultra-connectée, ultra-sexuée et plus populaire. Mais face au pouvoir ambivalent de la pop culture, où et comment se placer dans ce combat en tant que jeune femme ? Quelles armes utiliser ?
Ce solo explore les différents courants féministes contemporains et leur lien avec la culture pop. La popularisation du féminisme est-elle une réelle prise de pouvoir ou une auto-contradiction profonde ? Une vraie revendication ou une récupération marketing ?
« i-clit » traque ces moments de fragilité, où l’on oscille entre affranchissement et nouvelles formes d’oppression.
Récit aux allures fantaisistes qui en dit long sur notre rapport au « jetable ».
Claire, 45 ans, artiste, voltigeuse équestre et marionnettiste, se retrouve au chômage. Elle qui habite Bruxelles, est forcée d’accepter un travail de steward dans le bureau des objets trouvés de sa ville natale, Liège car c’est tout à fait dans ses cordes, selon Pôle Emploi.
Voici le point et le lieu de départ de ce nouveau spectacle d’Isabelle Darras.
Une comédie désopilante, rondement menée par un duo de comédiens pétillants qui fera rire petits et grands.
Ils sont deux à s’en occuper.
– Oui, chef, tout va bien.
Trier, classer, caser.
– Oui, tout va bien.
Briquer, lustrer, tamponner.
– Oui, chef, tout va bien.
– Y a un intrus, vous l’avez vu ?
– Heu… Non.
– Sautez-lui dessus !
Plongée dans l’univers de la compagnie La Fabrique Imaginaire et dans leur nouveau spectacle en création.
Ce projet artistique est composé de deux parties.
Il s’agit d’abord d’assister à la projection du film « Le Plaisir du désordre » réalisé par Christian Rouaud, qui raconte les trois premières années de recherche du précédent spectacle de La Fabrique Imaginaire « L’heure et la seconde ».
Dans un deuxième temps, le public assiste à « Digressions et autres détours avant de jouer » une fiction sous la forme d’un exposé théâtral et imaginaire. Le public retrouve ainsi les deux protagonistes dont il a été question dans le film, à savoir Ève Bonfanti et Yves Hunstad, qui poursuivent devant le même public, l’épopée aventureuse de la création de « L’heure et la seconde »
Pour marquer le coup de 40 ans d’existence du Label Igloo tourné vers la jeune génération, le batteur Antoine Pierre vient présenter son deuxième album « Sketches of Nowhere » qui rassemble parmi les musiciens belges les plus extraordinaires du moment.
Un concert qui prend place également dans les Deuxièmes Rencontres des Allumés du Jazz
Dans un huis clos à ciel ouvert, cinq cowboys traversent des questions existentielles.
Cinq cowboys sont dans un désert chargé, comme on entrerait dans une forêt pleine d’yeux braqués sur soi, comme si la guerre grondait tout autour, sourde et répandue sur le monde telle une gigantesque nappe de pétrole.
Ces cowboys, héros boiteux, luttent avec l’asphyxie ambiante, la chaleur, l’attente, les moralisateurs.
Il faut avoir une personnalité extraordinaire pour se comporter comme si on ne vivait pas en enfer ; et convoquer des moments de dialogue avec les forces du beau, du vrai et de la cruauté.
À la manière de Don quichotte en errance, ces cowboys taillent un costume à la réalité ! Ils pourfendent des ennemis et des morales pas tout à fait imaginaires, avec une force d’âme burlesque, réglant leurs conflits internes, externes, avec le monde.
La musique parfaite pour une ouverture de saison : énergique et inventive.
SilverRat Band propose des créations atypiques par son orchestration : 3 souffleurs, voix, batterie… Le délicat portrait d’un jazz de qualité, de rap et de hip-hop.
Une rencontre qui donne naissance à une musique dynamique et inventive, un flow groovy et rafraîchissant. L’épaisseur humaine de ce groupe mixte, mélange de générations, nous transporte dans un univers plein de complicité, d’humour et de rigueur. Un travail d’équipe, une réelle présence sur scène et de l’énergie à revendre, un cocktail parfaitement maîtrisé par ces artistes. Des compositions aussi bien en anglais qu’en français, originales et percutantes.
E.D.I.T est un projet de recherche sur la (re)transcription et l’archivage des écritures théâtrales dites « de plateau ». Lisa Gilot, designer graphique, et Lorette Moreau, metteure en scène, se rencontrent autour d’une recherche transdisciplinaire, à la croisée de leurs deux pratiques. Elles s’interrogent sur les nouvelles modalités de notation scénique et investiguent leurs moyens de conservation. Comment retranscrire l’hétérogénéité de ces écritures pluri-médias et polymorphes ? Quel outil contemporain pour répondre aux besoins des artistes en matière d’archivage ?
Création théâtrale sur une séparation parentale du point de vue d’un enfant.
June se rappelle, elle se souvient de la séparation de ses parents, le départ de son père le jour de son anniversaire, la souffrance de sa mère qui s’écroule en coupant les carottes. Nous sommes dans la tête de June, nous voyageons à travers ses souvenirs, à différents âges.
Comme dans un rêve, les personnages et les lieux se transforment, tintés d’une inquiétante étrangeté…
Le théâtre comme tribune pour soulever les questions d’exclusion et d’appartenance.
Une voiture piégée a explosé semant l’inquiétude. Sans doute un acte terroriste. Amor, jeune homme issu de l’immigration, marche dans la ville. Quelle attitude adopter quand on ressemble comme un frère à ceux qui…? Le téléphone sonne, ses proches s’inquiètent eux aussi, ils connaissent ses angoisses, ses colères, ce grondement apeuré au fond de lui. Et Amor marche encore, cours, tremble, erre, doute, sous le regard des passants. Est-il réellement observé, traqué? Il s’inquiète de la suspicion, il se méfie de la méfiance, il a peur de son ombre.
Après les attentats de Stockholm en 2010, Jonas Hassen Khemiri publie une tribune intitulée J’appelle mes frères dans un grand quotidien suédois et le transforme en texte de théâtre. En 2015, après les attentats de Charlie Hebdo, il ré-écrit cette même tribune dans Libération.
L’écriture engagée de Khemiri ramène un questionnement de société (l’immigration, l’intégration) à sa réalité intime (une crise identitaire) et la déploie sans résolution, assumant un personnage central complexe et ambigu. C’est un spectacle dense et vif, qui avance au rythme d’Amor, tonique, déboussolé, hésitant. Il y a du stand up dans le rapport d’Amor au public auquel il se raconte. C’est rythmique, percussif et urbain.
Ce projet participatif mêle aux quatre comédiens un groupe d’amateurs de tous âges, toutes origines et tous milieux, des citoyens sur le plateau, une société.
Dernière ligne droite pour la Cie du Rouhault dans la création de ce spectacle. La première aura lieu en janvier 2018 à la Comédie de Béthune, centre dramatique national des Hauts-de-France et la tournée s’annonce déjà belle. Mais avant, halte pour cette équipe, dans le cocon des Doms pour un travail de répétitions du corps et du texte.
Recherche théâtrale autour de l’amour pour une question de vie ou de mort.
Ce pourrait être un fait divers. Thomas fait une dépression. Léa, sa compagne, pour lui changer les idées, organise un repas avec trois de leurs amis. Ils auraient voulu que le repas scelle un retour à la normale mais tout l’inverse se passe; tout bascule avec fracas. Thomas annonce qu’il va mourir et demande qu’on le dévore. Une terrible requête qui va réveiller en chaque personnage un terrible appétit de vie, un appétit d’ogre! En eux, hurle une exigence qu’ils peinent à faire taire: que la vie soit superbe, pleine de troubles et de lions.
Le Collectif Greta Koetz arrive en résidence aux Doms avec l’idée de poursuivre l’écriture de cette histoire en multipliant les recherches au plateau. Ils ont une énergie débordante. L’envie et le besoin de se confronter à un public. C’est là que vous intervenez. À table et bon appétit.
Une danse engagée dans l’ici et maintenant. Belle “brochette” d’artistes en résidence aux Doms pour la création d’un spectacle sur leur passé individuel et un futur partagé. Leur source d’inspiration: le roman de Goliarda Sapienza L’art de la joie qui questionne notamment l’engagement social et politique, la croissance personnelle, le rôle parental, le désir sexuel et le vieillissement.
À la façon de Sapienza qui saute de pensée en pensée et se sert de différents styles et formes linguistiques en fonction du contenu émotionnel de l’histoire, nos artistes créeront une série de tableaux dont la “playlist” sera différente à chaque représentation. La présence de la voix et/ou de la langue fera partie de la chorégraphie et la danse traditionnelle s’invitera dans leur travail contemporain.
Le questionnement est riche: comment créer de la danse et de la musique basées sur de la littérature? Quelles sont la structure et la méthode nécessaires pour recréer ensemble une autre version du spectacle tous les jours? En jazz c’est une procédure standard, mais comment cela peut être réalisé dans une réalité multidisciplinaire? Comment le contexte réel de l’espace de jeu peut-il vraiment affecter les spectacles? Bienvenue dans leur laboratoire de recherches!
Un projet multiforme pour tisser des liens et faire bouger les lignes.
Il y a l’avenir qui se fait et l’avenir qu’on fait. L’avenir réel se compose des deux.
Alain – Propos sur le bonheur
La ligne d’autobus 14 traverse le territoire de la ville d’Avignon d’est en ouest sans passer par le centre. De la ceinture verte jusqu’au terminus du Pontet, en serpentant à travers la mosaïque humaine et architecturale de la rocade, en passant par les temples de la consommation, les cités pavillonnaires, et les zones agricoles en jachères, la ligne 14 offre un condensé de la diversité des territoires et des gens qui y vivent.
Dans le mouvement de cette traversée, la Cie Mises en Scène met en partage la question de L’AVENIR entre des habitants et des artistes, et dans ses dimensions intimes et collectives. Il s’agit d’interroger la mémoire vive, d’aller à la recherche des traces, de relier les différents quartiers et leurs riverains par une multiplicité d’actions.
Du théâtre documentaire pour observer la jeune génération de A à Z.
GEN Z (code diminutif de la “génération Z”, celle née après 1995) est une recherche théâtrale, une exploration documentaire, un événement pour célébrer la jeunesse européenne et notre futur.
Ce projet s’écrit à partir d’entretiens réalisés avec de jeunes gens rencontrés sur leurs espaces quotidiens de vie(s) (écoles, associations, terrains de jeux, etc.) et dans différentes villes d’Europe. Quels sont les rêves qui les tiennent? Les questionnements qui les habitent? Les réflexions qui les animent? Créateurs du monde de demain, ces jeunes ont des choses à nous dire sur le monde d’aujourd’hui. Observer, écouter, donner à voir et à entendre ce qu’ils tendent à exprimer.
Pour que la “retranscription” de ce que vit cette GEN Z soit juste, différents moyens sont envisagés.
La présence sur scène, avec les comédiens professionnels, de certains des adolescents rencontrés.
Une forme théâtrale modulable, mouvante, à l’image d’une génération en mouvement permanent que l’on peut saisir avec intensité ici et reperdre là.
L’adaptation de chaque représentation au lieu où le spectacle est joué; le respect de la notion de territoire (comment, à cet endroit, les jeunes vivent et projettent le monde).
Et ça dit quoi, du côté de la jeunesse avignonnaise?
Du jazz psychédélique pour rêver éveillés toutes oreilles dehors.
Animus Anima est un groupe de jazz contemporain aux nuances rock et progressi(v)(st)es, dont le leader et compositeur, Nicolas Ankoudinoff, est aussi auteur de chansons folk en français, sous l’appellation ANKsolo, chansons rebelles et d’amour. Le but poursuivi lors de cette résidence est la fusion des deux mondes.
Animus Anima a toujours exploré univers lyriques et poétiques. En témoignent leurs collaborations avec Paul Camus, Vincent Matyn ou encore Anja Kowalski pour dire ou chanter les mots de Pablo Neruda ou Noam Chomski lors d’aventures précédentes. En témoignent l’oratorio Larmes pour New York d’après Adonis et la chanson The Road to Freedom qui ouvre leur premier album micro-édité à compte d’auteurs. Un retour aux sources ou une nouvelle métamorphose?…
Une résidence pour créer de nouveaux tissus instrumentaux, dénicher d’autres perles, fomenter quelques résistances.
Un spectacle pétillant et poétique pour fêter Saint-Nicolas en famille.
Dans le plus beau des mondes, où tout est pour le mieux, Avi et Iva se préoccupent essentiellement de faire régner l’ordre établi pour que tout soit toujours aussi beau qu’hier. Il y fait beau et propre, tout est harmonieux, on s’y sent bien. Leurs journées sont rythmées par de doux rituels. Mais le jour où Plug arrive, leur vie confortable est soudainement perturbée. Difficile de changer ses habitudes et d’accueillir un nouveau venu, si différent…
Iva, Avi et Plug invitent les spectateurs chez eux, dans leur petit monde fleuri. Avec peu de mots, mais avec beaucoup de joie, tout en danse et en musique ils nous racontent L’Histoire d’une longue journée qui leur révélera la richesse du partage et de la reconnaissance de l’autre, tel qu’il est.
